Puisque la danse entre en scène comme spectacle, quel qu’en soit le type, les ballets et les danseurs doivent garder à l’esprit qu’ils entrent dans le monde des arts du spectacle ; en fait, la danse est une fille mineure du théâtre ; à part cela, c’est un thème pauvre, oublié ou rarement pris en compte. Le fait est qu’en tant qu’art scénique, les professionnels de la danse ont eu et doivent apprendre du théâtre pour donner plus de splendeur à leurs spectacles car les mêmes normes du théâtre sont et doivent être appliquées à la danse, ceci comme le théâtre est un moyen de communication, une forme vécue pour dire quelque chose.

La pérennité de la danse dépendra de la manière dont l’artiste manie le matériel à sa disposition (danseurs, décors, musique…) pour faire l’effet le plus efficace sur la sensibilité du public. Cet effort est entre les mains du metteur en scène ou du chorégraphe, qui est responsable du transfert des mouvements, du rythme, de la musique, de l’interprétation, de leur matériel sur scène, de l’os du moyen d’expression du corps et de la danse sur le moyen d’expression scénique et théâtrale.

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Le métier du chorégraphe professionnel

rockocini balobotaSous la direction du chorégraphe, les mouvements sont projetés dans un espace tridimensionnel habité par des danseurs. Celles-ci, à leur tour, par le biais d’un mouvement contrôlé et rythmique, d’émotions feintes ou réelles et d’un comportement et d’un mouvement préalablement établis, travaillant à des niveaux prédéterminés d’intensité émotionnelle et avec des variations calculées dans le rythme et le temps de leurs mouvements, donnent corps et forme à l’exposition.

Parfois, le but du danseur est de créer une illusion de réalité, contagieuse pour le public avec ses mouvements et ses sentiments en interprétant une musique concrète. Dans d’autres cas, elle poursuit un autre objectif, par exemple en danse symbolique ou contemporaine, ou en danse abstraite. Mais que l’effet proposé soit vivant ou non, la vie de la scène est rarement imprévisible, bien qu’il le semble parfois, car ils suivent une règle, une technique et un dessin. Bien que lorsque des conditions chaotiques sont censées prévaloir sur la scène, ce chaos doit être soigneusement organisé et ordonné, c’est-à-dire dirigé ; autrement, ce qui est créé sera étranger à l’essence même de l’art. L’art implique toujours l’artifice. L’imposition délibérée de la forme et du sens dans un secteur d’expérience tiré du désordre de la vie. Le chorégraphe est l’officiel principal qui doit veiller à ce que toutes les parties discordantes de la production soient ordonnées et fusionnées, selon les objectifs d’une danse ou d’un spectacle.

En raison de la façon dont la danse fonctionne dans de nombreux endroits, il est nécessaire que, si le spectacle est un succès, les danseurs et les musiciens (le cas échéant) répéter les performances pendant plusieurs mois ou années. Ce qu’il demande au metteur en scène et chorégraphe, c’est d’atteindre un certain niveau de représentation, auquel il n’y aura aucun moyen de s’écarter tant que le spectacle sera sur l’affiche. Et la seule façon d’y parvenir avec une certaine certitude est d’affirmer tous les aspects de la production, qu’il s’agisse de mouvements, d’actions, de gestes et de tout le reste, d’une manière immuable. Quelques exceptions sans importance peuvent être faites à tout cela ; par exemple, dans une danse d’improvisation et une ou deux personnes, mais généralement, le succès d’une production dépend de la façon dont les effets ont été bien pensés en créant des réactions cumulatives, émotionnelles et autres, dans un auditorium, soir après soir, sur une longue période de temps. Pour le meilleur ou pour le pire, c’est au metteur en scène et chorégraphe qu’incombe la mission d’être l’architecte du plan directeur d’une production, ainsi que l’exécutif qui met ce plan en pratique. Il doit faire des calculs consciencieux et concevoir et organiser ses plans de manière à ce que la production reste dans les limites fixées, sans donner l’impression d’avoir été planifiée, surtout lorsqu’il s’agit de spectacles de ballet avec argument. C’est pourquoi, même lorsque tout ce qui touche à la représentation est ordonné, systématisé et aussi bien lubrifié dans son fonctionnement que n’importe quel mécanisme, il doit apparaître au regard du spectateur comme quelque chose de spontané, de chaleureux, de vivant et non mécanique du tout. Les danseurs doivent bouger comme s’ils venaient de l’improviser, “l’illusion de la première fois et l’effet général doit avoir la même fraîcheur la nuit de la centième fois que la première.

Les différents types de chorégraphes par Rockocini Balobota

danse rockocini balobotaPeu de professions exigent une telle variété de talents et dans autant de domaines. Et j’imagine que peu de réalisateurs seront aussi capables et compétents que les universitaires, les techniciens, les musiciens, les critiques, les écrivains, les psychologues, les danseurs. Cependant, ils ont existé, et je suis sûr qu’il y en aura d’autres qui possèdent dans une certaine mesure la souplesse nécessaire pour exceller en tout point et qui ont l’intellect fait pour comprendre et apprécier un manuscrit et la grâce de le mettre en scène de telle manière qu’il parvienne dans l’esprit de nombreuses personnes. Cependant, ils résident rarement en une seule personne et en proportion de toutes les qualités nécessaires pour faire un réalisateur parfait. En général, il y a une ou deux qualités dominantes, qui tendent à éclipser les autres ou, du moins, à faire graviter le réalisateur autour des montages selon ses capacités particulières et à lui fournir du matériel pour exprimer avantageusement ses tendances particulières : bowling, classique espagnol, folklore flamenco…

Par exemple, il est rare de trouver un chorégraphe qui possède des compétences dans tous les domaines de la danse. Dans certains d’entre eux, l’une des branches de la danse espagnole sera plus développée, puis leurs spectacles refléteront évidemment cette caractéristique du metteur en scène ; puis dans les grandes compagnies il faudra partager la direction avec d’autres qui connaissent les autres branches de la danse que l’autre ne possède pas.

Le meilleur moyen pour un chorégraphe de se développer, s’il aspire à la perfection, c’est de découvrir ses points faibles, de les reconnaître comme tels, puis d’aller de l’avant, d’essayer de réduire ces faiblesses tout en continuant à cultiver ses talents jusqu’à en faire sa force. À moins qu’un administrateur ne souffre d’un défaut physique, il n’y a aucune raison qu’il ne puisse pas entraîner sa vue et sa parole pour qu’elle soit aussi fine que son ouïe et ses pieds. Quiconque a de l’espoir et croit en cette profession a sa place.


Chaque chorégraphe digne de ce nom finira par découvrir le mode de gestion et les procédures techniques qui lui sont propres. Ceux-ci seront basés sur vos habitudes personnelles et vos inclinations en tant qu’artiste ou artisan. Si vous êtes sensible, ils vous révéleront vos points et dissimuleront vos défauts ou déficiences. Au fur et à mesure que vous avancez, vous devriez conserver la formation ou le cours d’étude qui vous prépare le mieux à apprendre à vous adapter, avec votre méthode, aux exigences particulières de chaque assemblage, quels que soient son type, son style ou sa mode. Le but à atteindre est l’excellence et la flexibilité. Vous ne pourrez y parvenir que si vous maîtrisez tous les instruments de compréhension, de perception et d’imagination que vous possédez, et si vous continuez à les enrichir par l’expérience.